Se não tivesse nascido em São Paulo, Thais Panighel, 22, teria facilmente adotado a cidade como sua "mais cedo ou mais tarde". A loira de 1,73 de altura cresceu no tradicional bairro da Vila Mariana e por lá pela primeira vez se encantou   pelo universo da maquiagem e dos penteados. Isso antes dos 13 anos de idade. A profissão foi herança das mulheres da família, a avó materna e a mãe sempre trabalharam na área. Quando adolescente, Thais levava tesouras, pentes e pinças pra escola. Conta que sua brincadeira favorita era arrumar as colegas de classe e que aprendeu a cuidar da beleza antes mesmo que qualquer outra coisa. "Apesar da minha mãe dizer que tenho um jeito moleca, me considero bastante vaidosa, e sou assim desde que me lembro".

Filha do meio, tem ainda dois irmãos e mora com os pais até hoje, mas garante: “por pouco tempo”. Na verdade, problema nenhum em viver com a família, mas é que a paulistana é sonhadora por vocação e correr o mundo faz parte dos seus planos. “Sou uma amante da vida. Do tipo que acorda todo dia sorrindo, agradecendo mais uma manhã. Queria é ter uma meia dúzia de vidas pra fazer tudo que tenho vontade”, diz empolgada.

Solteira há pouquíssimo tempo - nem um mês - ela está em um momento tranquilo, no qual o trabalho vem em primeiro lugar juntamente com se dedicar a si mesma. Ela explica: "É hora de ficar sozinha, pensar em mim, fazer planos e conseguir construir o pé de meia. Estou afim disso, de recursos pra botar tudo em prática". Namorar agora é assunto pra ficar na gaveta. Mesmo assim, entrega: “Detesto caras que contam vantagem. Homens me conquistam pelo humor. Essa é a dica”.

Marcelo D2 mostra a foto de Chico Science que postara em seu perfil no Instagram, o telefone toca. Era a mulher, se despedindo rumo a uma viagem para a Flórida. Pede que a produtora compre água. A voz rouca dá sinais do show do dia anterior tal como apareceu em 2010, na gravação do álbum com a obra de Bezerra, no qual cantava. Aponta, no computador, a plantação de maconha de uma amiga que serviu de locação para um dos clipes gravados na Califórnia. Um canal de televisão ainda gravaria um mini-documentário e a equipe aguardava pacientemente a nossa entrevista terminar. Os fãs-clientes passavam na porta fechada da loja récem-inaugurada onde fazia sua agenda de imprensa, apontavam para D2, de costas pro vidro. Um manequim às avessas. À venda, mas nem tanto.

Pacientemente, cita o nome de um dos convidados seu novo álbum, Nada pode me parar. Explicativo, diz não só o nome (na verdade, um apelido, Batoré), mas também o grupo original do convidado, Cone Crew Diretoria. Sacio minha curiosidade. “Ah, cara, não, é muito jovem pra mim”, diz, rindo nervoso, aceitando a provocação que faço sobre com qual frequência ele ouve o grupo emergente do rap carioca e da temática cannabis. Coincidência ou renovação natural, o mesmo trilho que D2, junto com seu tutor Skunk, pegou no começo dos anos 90 com a invenção do Planet Hemp. “Mas ao vivo eu gosto, acho legal. Ganho boné, casaco, os moleques lá de casa adoram. Na verdade, eu escuto Cone Crew pra c... por causa deles”, retoma talvez arrendido da declaração anterior. Hoje, Marcelo está a cinco anos de distância de completar 50 anos. O visual street chic não permite essa informação em imagem explícita. Mas a tranquilidade de D2 ao falar uma ou outra coisa mais polêmica, sim. Não é mais o da “lata e sem dó” de “Queimando Tudo”. Suas letras cada vez mais são auto-referenciais.

Até chegar a 2013 e largar um pouco do samba, o rapper já havia largado a ex-banda, seus parceiros B Negão e Black Alien e até os quase-ídolos Racionais MCs. O bode bateu até mesmo com o gênero no qual ele e seu álbum mais recente se enquadram. "'É culpa do governo, é culpa do sistema’. A coisa é maior do que isso. ‘O rap tem que salvar o mundo’. Desculpa, mas não vai ser o rap que vai ajudar nisso, não”, diz sério, sentado no sofá da loja itinerante que carrega seu nome e rosto impresso em skates e brindes promocionais e que está estacionada na Galeria Ouro Fino, do lado oposto da Rua Augusta que abrigou as últimas revelações do rap paulista. “Mas eu acho ótima essa nova fase do rap daqui, sabe qual é, que não precisa mais seguir aquela bíblia, o procedê. De repente, nem é culpa dos Racionais. Mas tinha que ter o carimbo, pedir benção”, diz fazendo menção aos contrapontos Emicida e Criolo.

"Quando fui no Faustão, e até hoje neguinho fala ‘pô, cara, tu foi no Faustão, tá vendido’, é desse desconforto que eu gosto"

(*) Yuri de Castro é jornalista e é um dos editores do site Fita Bruta

No final do ano passado, a Maurício de Sousa Produções entrou no mercado de graphic novels com o lançamento de Astronauta – Magnetar, primeiro título do selo Graphic MSP, que promete lançar cerca de três álbuns por ano, todos com releituras de personagens já consagrados de Maurício de Sousa. O debut trazia roteiro de ficção científica tendo o Astronauta como protagonista adaptado pelo quadrinista Danilo Beyruth, autor de Bando de Dois e Necronauta. Agora, a história é outra: sob os leves traços dos irmãos mineiros Vitor e Lu Cafaggi, Mônica, Cebolinha, Magali e Cascão vivem uma aventura que os fazem redescobrir o valor da amizade. Na trama, o cachorro do Cebolinha, Floquinho, desaparece e o quarteto segue o rastro do bichinho para encontrá-lo a qualquer custo.

A Trip bateu um papo com os autores.

Trip: Como vocês tiveram a ideia do roteiro?
Vitor: Eu e a Lu queríamos uma história que mostrasse bastante como é a relação de amizade entre a Mônica, a Magali, o Cascão e o Cebolinha, a importância que eles têm para eles mesmos. Queríamos uma história sobre a amizade, mesmo. Usamos bastante recordações da nossa infância.

O título Laços, então, tem tudo a ver com a amizade dos quatro?
Lu: Totalmente. Quem fechou mesmo o título foi o Sidney [Gusman, editor da Maurício de Sousa Produções], mas eu e meu irmão queríamos um nome que representasse essa metáfora da amizade, que fosse uma palavra que pudesse ser encontrada várias vezes na história, mas escrita de modos diferentes.
Vitor: O título quase foi Nós, que representaria tanto os quatro juntos quanto os nós que o Cebolinha sempre deu nas orelhãs do coelho da Mônica, o Sansão, mas, no finalzinho, o Maurício falou: "Com a turma da Mônica, os laços são mais fortes do que os nós". Isso é verdade. Daí, ficou.

Em Laços, tem muito do jeito de vocês dois de contar histórias, tem muito dos seus trabalhos anteriores – Valente, Puny Parker e Los Pantozelos. Eles funcionaram mesmo como base para vocês criarem a história?
Lu: Isso aconteceu sem querer. Mas, sim, nós procuramos criar uma história que fosse a cara da turma da Mônica, mas que também fosse uma coisa nossa, que tivesse nosso jeito de ver a turma e o mundo também. São os nossos traços, nosso jeito... Sem contar o assunto principal, a amizade, que é uma coisa de que a gente sempre falou nos nossos quadrinhos.
Vitor: Queríamos uma história o mais intimista possível, que é a característica do nosso trabalho. Sempre falamos muito de amizade, amor, infância, inocência, sempre com olhos de criança.

E já caiu a ficha que vocês, agora, têm uma história com a Turma da Mônica?
Vitor: De vez em quando cai [risos], mas ainda é surreal. Crescemos lendo as revistinhas da turma da Mônica e agora ter uma história nossa... É incrível.

Vai lá: Laços
Autores: Vitor e Lu Cafaggi
80 páginas
Preço: R$ 29,90 (capa dura); R$ 19,90 (capa cartonada)
Editora: Panini Comics
www.paninicomics.com.br

Lançamento dia 20/06, às 19h, na Geek.etc.br (Alameda Santos , 2152 - Loja 122 - Conjunto Nacional), em São Paulo/SP

Para o francês Lartigue, a fotografia foi uma grande brincadeira. Isso porque, já aos oito anos, ele ganhou a primeira câmera dos pais, membros da alta burguesia, em uma época em que a maioria dos adultos sequer tinha acesso a esse equipamento. Nascido na virada para o século vinte, ele, considerado um dos grandes mestres da fotografia, foi um dos primeiros a explorar com a noção de movimento em imagens estáticas.

Neste mês, Lartigue ganha mostra inédita no Brasil. Organizada pelo Instituto Moreira Salles, a exposição Jacques Henri Lartigue – A vida em movimento chega ao Rio de Janeiro sob curadoria de Martine d'Astier. Ela é uma das principais estudiosas da obra de Lartigue, que registrou os aspectos mais divertidos da eufórica Belle Époque parisiense. Os banhos públicos, mergulhos no mar (e na banheira de casa), garotas dando piruetas no ar com vestidos esvoaçantes ou brincando com cachorrinhos na praia – o olhar divertido do fotógrafo traduz a euforia da época diante da modernidade.

Vai lá: Jacques Henri Lartigue – A vida em movimento – Instituto Moreira Salles, r. Marquês de São Vicente, 476, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, (21)3284-7400. Até 15/9, grátis // www.lartiguenoims.com.br

Eduardo Izquierdo é um venezuelano residente em Bloomington, Indiana. Neurocientista matemático e fotógrafo autodidata desde 2010, ele retrata a beleza feminina de uma forma singular e encantadora. Seu olhar captura a essência de cada uma das modelos, e surpreende por explorar detalhes muitas vezes sutis e imperceptíveis e expressões particulares.

"A forma como eu trabalho é uma extensão do meu trabalho acadêmico. Tento simplificar tudo e estudar algumas coisas em profundidade, neste caso: a beleza feminina crua", disse o fotógrafo para a Entitle Magazine.

A personalidade individual e crua de cada uma das personagens transparece de forma delicada e leve, e mostra que a beleza está na simplicidade e espontaneidade, e pode estar em um gesto de mãos, um olhar significativo ou em um movimento, e não depende de produções de maquiagem, cabelo e roupas.

Vai lá: http://eduardoizq.tumblr.com // www.facebook.com/framedbyeduardo

(*) IAKYMA é colaborador do blog de arte e cultura BLCKDMNDS

As Lomos são câmeras fotográficas analógicas que surgiram em 1982 e começaram a ser produzidas na antiga União Soviética, pela estatal LOMO - fábrica russa de armas e materiais óticos. Essas máquinas se popularizaram a partir dos anos 90, depois que dois estudantes vienenses encontraram uma Lomo Kompakt Automat em uma loja peculiar de Praga e começaram a tirar fotos cotidianas. Ao verem o resultado das fotos, ficaram fascinados com as cores, a saturação e as vinhetas, e logo espalharam a moda entre os jovens da capital austríaca. Em 1992, acabaram fundando a Sociedade Internacional de Lomografia em Viena, promovendo o movimento fotográfico que criaram. Juntamente com a comunidade, surgiu a Lomography, marca dedicada exclusivamente às lomos. 

Hoje, elas ajudaram a resgatar a onda analógica que voltou forte na fotografia. Apesar das digitais terem tomado o mercado, ainda há espaço para quem quer fotografar à moda antiga. O fotógrafo paulistano Jorge Sato é especialista no assunto e nos deu dicas básicas para quem quer começar a fotografar com esse tipo de máquina. Em julho, ele ministra um workshop em São Paulo, na Escola São Paulo, junto com André Corrêa, criador do site Queimando Filme.

Trip. Pra quem vai começar a fotografar com as lomos, quais sãos as dicas básicas?
Jorge. Acredito que um bom norte para as pessoas entenderem a ideologia das câmeras lomográficas é não se preocupar com técnicas avançadas. É interessante experimentar bastante e explorar resultados criativos e inusitados e, principalmente, divertir-se. Então, primeira dica: não ter medo de errar. No começo, é natural as fotos não saírem tão bacanas quanto a pessoa imagina, porque mesmo sendo câmeras simples, é preciso se acostumar com suas características. Mas essa é a parte mais divertida do processo: a cada novo filme, você vai aprendendo e sentindo a evolução em suas fotos, mas sempre com uma certa sensação de imprevisibilidade. Essa curiosidade e expectativa é algo único.

Quais são as melhores marcas de Lomo que temos aqui no Brasil? Com certeza a marca mais completa é a Lomography, tanto pela quantidade, quanto pela diversidade de modelos. Dá pra comprar pelo site deles, ou nas lojas físicas, nas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro. Há também uma loja virtual muito bacana chamada ToyCamera. Lá você encontra câmeras, filmes e acessórios que não são vendidos na Lomography, inclusive filmes para as antigas Polaroid.

Quais os 5 modelos de Lomo que você recomendaria pra iniciantes? Se a pessoa não se importar em gastar um pouco mais, eu iria de LCA+ ou LC-Wide, com toda certeza;, por terem a lente de vidro (ao invés de plástico) e conseguirem fotografar à noite ou em lugares fechados com menos luz. Agora se o fator preço é o principal, eu iria de Holga 35mm, Fisheye 2.0 ou La Sardina.

No começo, eu sempre indico as pessoas escolherem o filme 35mm (invés do filme médio formato 120) porque é mais fácil de ser encontrado, revelado e tem mais poses para fotografar. A diferença do 120 para 35mm, é que o primeiro tem menos poses (12 por filme) e o negativo é bem maior do que o 35mm, captando muito mais detalhes em suas fotos. Hoje em dia, o melhor custo-benefício é usar filme negativo 35mm. Quando a pessoa se acostumar com o processo analógico, então expandir para o médio-formato é uma opção incrível.

Há também a possibilidade de usar filmes cromo e pedir para serem revelados em químico de filmes negativos. Este processo se chama XPRO (processo cruzado) e resulta em cores super saturadas e altamente contrastadas.

As Lomos exigem algum tipo de cuidado especial ou manutenção? Quanto a isso não é preciso se preocupar. Por serem bem simples e de plástico, não há a necessidade de levar para o técnico ou deixar guardado junto ao anti-mofo. Mas é claro que não são câmeras indestrutíveis, então evite derrubá-las o tempo todo e manuseá-las de forma muito ogra.

Qual é o investimento inicial pra quem quer começar um kit lomo? O valor varia bastante da câmera mais simples à mais complexa, começando perto de R$ 100 e podendo chegar a quase R$ 1.100,00.

Os filmes também variam bastante, dependendo se é filme negativo, filme cromo, 35mm, médio-formato 120 e também pelo ISO (normalmente quanto maior o ISO, mais caro é o filme). É possível achar filmes por R$ 10, chegando a R$50 por rolo. Sobre o flash, é bem bacana possuir um, sim!

Você pode colocar filtros coloridos nele e fotografar em múltipla exposição, resultando em uma estética bem "lomográfica". Mas é preciso ficar atento porque não são todas câmeras lomográficas que permitem o uso de flash externo, e há algumas câmeras que já vem com um flash já embutido.

Vai lá: LC A+ / LC-Wide / Holga 35mm / Fisheye 2.0 / La Sardina

Se você ficou com vontade de comprar uma lomo, a Lomography têm lojas em São Paulo – Rua Augusta, 2481; e no Rio de Janeiro - Rua Barata Ribeiro 369 b. Já o site é o: www.lomography.com.br. A Toy Camera tem sua loja virtual no endereço www.toycamera.com.br

Workshop de lomo em SP: www.escolasaopaulo.org/atividades/workshop-lomo-inverno-2013/workshop-de-lomo

*Gui Takahashi, paranaense, é produtor de moda e publicidade em São Paulo. Na Trip, escreve sobre Moda e Consumo quinzenalmente 

Evento revelou os homenageados deste ano e debateu o tema: "Sem educação não há solução"

O prêmio Trip Transformadores 2013 começou. Nesta quinta-feira, 28, a largada foi dada na sede Private Brokers da Coelho da Fonseca com a divulgação dos nomes dos dez homenageados deste ano [veja a lista abaixo]. Além da divulgação, a noite contou com um evento voltado para a Educação. Com o tema, o público assistiu diversos convidados especiais que trouxeram para o palco suas experiências com o tema.  

A noite começou com uma entrevista de Rodrigo Vergara, editor de conteúdo do Trip Transformadores, com a educadora Maria Vilani, mãe do rapper Criolo e dona de uma bela história com a educação. Ela cursou o Ensino Médio junto com o filho e se tornou escritora, filósofa e professora.

"Meu aprendizado mais importante da vida foi a possibilidade atualizar minhas potências. De descobrir em mim coisas que eu não sabia q tinha. Eu era capaz mas não sabia, tinha medo, insegurança. Estudando eu me senti incluída na sociedade. Não era mais só uma dona de casa", disse a educadora, emocionando a plateia.

O neurocientista e professor Sidarta Ribeiro participou de uma sabatina de um grupo de blogueiros formado por Rosana Hermann (jornalista, física, gerente de inovação do portal R7 e blogueira do Querido Leitor), Vanessa Cabral (jornalista que mantém o blog Escola pública não é de graça), Caio Dib (jornalista do blog Caindo no Brasil, que está viajando o país para conhecer diferentes realidades do sistema de educação) e Carla Mayumi (pesquisadora, co-fundadora da agência Box 1824, integrante do blog Educ.Ação, sobre novos modelos de educação).

Sobre os novos meios de comunicação e educação, o cientista falou: "A internet é a ferramenta que faltava pra transformar o planeta num lugar legal. Mas não é automático. A internet democratiza mas é preciso de uma base boa, e a base é ruim. Assim ela só propaga preconceito e aversão ao conhecimento".

"A escola tem que ensinar o aluno a caminhar com as proprias pernas. A tarefa do professor é ajudar o aluno a aprender na escola e em todos os lugares", Bráz Rodrigues

A mobilidade urbana foi outro dos assuntos trazidos à tona por Sidarta. "É um assunto urgente! Quanto menos tempo alguém passa no trânsito, mais tempo ela passa em casa, com os filhos. E pesquisas mostram que quanto mais tempo se passa em casa com os filhos, melhor é o nível de aprendizado e educação da sociedade."

Na sequência, aconteceu o bate papo entre Julio César da Costa Alexandre, criador de 27 escolas de primeiro mundo no Nordeste, Bráz Rodrigues, do Escola Sem Fronteiras, e Tião Rocha, pioneiro em usar a cultura local como matéria prima do ensino.

"A escola tem que ensinar o aluno a caminhar com as proprias pernas. A tarefa do professor é ajudar o aluno a aprender na escola e em todos os lugares", disse Bráz. Tião complementou: "Educação nao existe no singular, só no plural. É preciso de troca entre iguais. Precisamos de gente que construa espaço de trocas de sonhos, desejos e possibilidades." 

Ele não tem nem três anos de carreira como artista plástico e já assinou as paredes do escritório do Google em São Paulo, criou um Doodle comemorativo para a cidade, decorou as vitrines da loja de Marc Jacobs e teve outros clientes de peso como HSBC, Vivo e Etna. Desde que abandonou a publicidade para viver de sua arte, Vitor Rolim viu tudo acontecer muito depressa. "Foi meio na brincadeira: eu queria tirar umas férias do trabalho e tinha um dinheiro guardado, então decidi pintar quadros e vender para ver no que ia dar. Quando me dei conta, estava assinando meu trabalho para o Google", conta, sossegado, como quem sempre soube que sua aventura daria certo.

O gosto e o talento para a arte vêm de berço. Vitor cresceu em meio aos desenhos do pai, engenheiro mecânico que fez carreira como projetista industrial e sempre influenciou e incentivou o filho. "Lembro das pranchetas enormes que tinha na casa do meu pai e de copiar os desenhos dos cadernos dele." Mais tarde, na adolescência, ele passou a se envolver com arte e, com o tempo, arriscar pintar seus próprios quadros foi um caminho natural. "Fui tomando gosto pela coisa. Depois que vendi meu primeiro quadro, aos 24 anos, não teve mais volta."

São Paulo e o caos

Os quadros e murais que Vitor pintam são um verdadeiro caos, se observados de longe – como uma página de um dos livros de Onde está Wally?. Mas é só olhar de perto para ver a riqueza de detalhes, de informação e de referências artísticas e mesmo não-artísticas que ele leva para sua obra. "Eu fico imaginando como Albert Einstein pintaria, por exemplo, ou Jimi Hendrix, Steve Jobs, Thomas Edison... Todos esses caras viveram para organizar o caos e é isso que eu faço." E é assim mesmo que Vitor se classifica: um organizador do caos, um cara que consegue, através de sua arte, colocar ordem na avalanche de informações visuais e sonoras que lava diariamente uma metrópole como São Paulo. "Minha arte tem uma iconografia que já faz parte do inconsciente coletivo dos paulistanos entre 20 e 30 e pouco anos, que são os meus clientes, pessoas que vivem as mesmas coisas que eu na cidade e que, como eu, cresceram assistindo a Cartoon Network, Chaves, Curtindo a vida adoidado... Então, eu dialogo com eles e isso gera empatia." Nascido no litoral paulista, em Santos, Vitor se mudou para a capital ainda criança e sempre achou os paulistanos um verdadeiro fascínio. "Sou péssimo poeta, mas o primeiro rascunho que fiz das paredes do Google foi um poema em que deixei claro que faria um mural sobre as pessoas que moram em São Paulo, que são o que a cidade tem de melhor."

O mural do Google, por ser um projeto de maior porte, foi exceção: Vitor não trabalha com roteiros. A ideia inicial do que será desenhado fica só na cabeça e, a partir dela, o artista vai criando, puxando um detalhe aqui e outro ali, tudo no improviso. Para ele, a liberdade de criação vem em primeiro lugar. "Eu pinto o que eu quiser, deixo isso sempre muito claro para meus clientes." E tudo sempre em preto e branco. "Minha vida sempre foi muito preto no branco, muito prática, sem enrolação. Minha arte é assim também."

Uma obra só

Apesar de ser um retrato do caos paulistano e da sociedade moderna, a obra de Vitor não é combativa, engajada, como ele próprio define, mas apresenta um todo que faz refletir sobre a realidade iconográfica que vivemos e, acima de tudo, diverte. "Se você juntar todas as minhas obras, vai ver que elas são mais ou menos a mesma coisa, são conectadas entre si, formam um grande mural para inspirar as pessoas. Elas não precisam de artes que digam que o Brasil é um lixo, por exemplo, mas que as façam rir depois de um dia cansativo de trabalho. Essa é a função da minha arte."

Aos 30 anos, além de artista plástico, Vitor Rolim atua como design thinker na empresa gou/Factory e acabou de abrir um escritório para licenciar sua obra para empresas. De saída, escolheu uma marca de produtos escolares que, em setembro, deve colocar à venda mochilas, estojos e cadernos com seus desenhos. "Gosto dessa pluralidade. Um quadro é só um quadro. Eu imagino pro meu futuro uma coisa mais Mauricio de Sousa, mais Walt Disney, ou seja, quero que minha arte chegue para as pessoas de muitas maneiras", ambiciona. E não para por aí: "Ainda quero ter meu próprio desenho animado, fazer uma exposição na Ásia e pintar um quadro no espaço. Por que não?".

Bruce Davidson é um conceituado fotógrafo norte-americano, membro da agência Magnum Photos, que tem seu trabalho exposto em diversos lugares do mundo, lançou livros e possui um riquíssimo acervo que retrata, entre outras coisas, o lifestyle americano.

Famoso pelas suas fotografias documentais, Davidson se dedicou a captar a essência dos subúrbios, principalmente em sua mais emblemática série, que retrata cenas do metrô de Nova York na década de 80, um importante registro dos embates de uma geração e da própria divisão social e de classes.

Vai lá: www.edelmangallery.com/davidson-main.htm

(*) Felipe Pedroso é colaborador do blog de arte e cultura BLCKDMNDS

Tokyo, 1950. Todo o povo japonês com estima e identidade ainda abaladas depois da Segunda Guerra Mundial. Foi quando o embelezamento das tampas dos bueiros começou, pois os japoneses olhavam muito para o chão. Lá pelas décadas de 70 e 80, com o alto crescimento da economia japonesa, a prática espalhou-se pelo país e cada região criou as suas próprias estampas moldadas em ferro fundido.

O fotógrafo brasileiro KS Nei (Nei Schimada), morou 22 anos no Japão e, durante seus passeios de bicicleta pelo país, clicou todas as tampas de bueiro. Assim surgiu a série de fotos que compõem o projeto Instalação subterrânea num varal, onde são exibidas penduradas em um varal com pregadores.

São 13 imagens que mostram a proposta de democratização do espaço público que começou a ocorrer no Japão após a Guerra. Já passaram por exposições em São Paulo e Rio de Janeiro. Além do varal, também fazem parte do projeto duas camiseta-poemas, uma da escritora Patricia Cardozo, que versa sobre as flores desenhadas em uma das tampas, e outra com um poema do próprio Ks Nei, sobre a arte mútua da iniciativa.

Com belas imagens e muita sensibilidade, o trabalho do californiano Morgan Maassen, de apenas 22 anos, conquistou fãs entre os surfistas e apreciadores de fotografia.

Veja na galeria.

Vai lá: www.morganmaassen.com // www.facebook.com/morganmaassen

 Quer melhor presente de aniversário do que brinquedos? É com eles que o Sesc Pompeia comemora seus 30 anos, na exposição Mais de Mil Brinquedos para a Criança Brasileira. O evento homenageia a mostra homônima (e a primeira da unidade) organizada em 1982 pela arquiteta Lina Bo Bardi, que assina o projeto do Pompeia. Serão exibidas mais de seis mil peças artesanais e industriais de diferentes regiões do mundo, representando a infância desde a década de 1930.

Conversamos com Gandhy Piorski, um dos curadores da mostra. Artista e pesquisador do lúdico na cultura popular brasileira, ele comenta as escolhas para a exibição que tomou ao lado da colega Renata Meireles e destaca a necessidade de valorizar os brinquedos feitos à mão – seja por artesões seja pelas próprias crianças. E defende a importância de ouvir o que a criatividade da infância diz ao mundo: “A cultura sempre diz o que a criança tem que fazer. Os educadores sempre têm respostas e teorias afirmadas sobre o que é melhor para acriança. Mas o exercício de expressão da criança, isso raramente foi passado através dos tempos”.

Trip. A exposição é uma homenagem à mostra que Lina Bo Bardi realizou no SESC em 1982. Como vocês estão dialogando com o passado?
Uma parte do acervo da época deixou de existir, porque o SESC doou uma grande quantidade de brinquedos que recebeu de indústrias. Outra parte se perdeu, mas ficaram outros que eram mais artesanais. A visita ao que restou foi o ponto de partida para começar nossa leitura. Observamos com atenção muito especial a qualidade do brinquedo da época em que foram coletados. Havia peças muito bonitas e trabalhadas, com características bem vivas do que era o artesanato de brinquedos nos anos 80 no Brasil. isso foi muito peculiar, foi o que saltou aos olhos da gente. Nessa época, o artesanato de brinquedos era uma coisa muito intensa nas feiras do interior de São Paulo e no nordeste. Muitos artesãos estavam no vigor criativo. Tem outro ponto que chamou atenção. A Lina quando expôs os brinquedos trouxe o artesanato para um patamar igual ao dos brinquedos da indústria, que, diga-se de passagem, tinha designers produzindo e criando. A Estrela funcionava a pleno vapor e tantas outras, com pessoas desenhando, o que não existe mais com tanta frequência hoje em dia.

Isso porque as ideias de brinquedos são cada vez mais importadas?
Isso. E os designers hoje normalmente pegam personagens do cinema e redesenham pra produção de bonecos e brinquedos em geral. Não tem mais aquela coisa de pensar um produto inteligente, que tenha aspectos mais apropriados à construção e criatividade da criança.
Imagino que perdemos muito com essa mudança.
Sem dúvidas. Hoje ainda há brinquedos bons, como o Lego ou linhas mais específicas, que não existem no grande mercado. Mas são caros.

Falando em preço, como está o mercado artesanal atualmente?
Está restrito a pequenas áreas do brasil. Em São Paulo, mesmo, existe uma loja, a Fábrica de Brinquedos. Eles têm um trabalho de ligar artesãos que produzem boas peças, estimulam a criação para que possam vender. Ou também compram na Europa, vão buscar um mercado mais inteligente. No Nordeste ainda existem artesãos, no interior de São Paulo também, mas isso está pulverizado. E há pouco espaço em um mercado como este, em que a indústria massiva de brinquedos está ligada a figuras da mídia. Além disso, é muito difícil um brinquedo de artesão passar nas categorias de segurança do Inmetro. O Inmetro é um órgão que metrifica a experiência do brincar e não entende nada de criança.

Fica preso naquela coisa de que pode soltar pecinhas...
Exato. Tem normas de segurança compreensíveis para a sociedade em que a gente vive, na relação de comercio das indústrias. Mas penaliza uma linha artesanal de produção que tem historia no Brasil.

No processo de revisitar a mostra da Lina e analisar o que está sendo produzido atualmente, é possível identificar mudanças no modo de brincar das crianças brasileiras?
Há algumas mudanças. A ótica que nos quisemos inserir na exposição tentou ir além do que a Lina fez, de trazer o artesão pro mesmo patamar do designer. Trouxemos outro elemento para a mostra que foi a produção das próprias crianças, que são quem na verdade inspira o artesão e o designer. Isso é muito claro na historia do brinquedo, muitas invenções artesanais que chegaram ao patamar de industriais vieram da inspiração que o artesão soube ver na criança. Consideramos esse um elemento chave, elas são muito criativas dentro desse universo do brincar, da inspiração. Voltando à pergunta, estou querendo dizer com isso é que esse discurso de que as crianças não brincam mais é mentira. É um discurso institucionalizado. Na verdade, as crianças continuam brincando e construindo muitos brinquedos. Talvez nos grandes centros urbanos, numa classe social específica, isso esteja mais prejudicado. Mas nas periferias, no interior do Brasil, as crianças continuam criando brinquedos. Existe aí, sim, um brincar da criança que a gente quer discutir. Por isso desconstruímos o brinquedo nessa mostra, muitos estão abertos. A gente mostra o avesso do brinquedo, como é por dentro. E a relação de construção, o interesse que a criança tem em animar o brinquedo, desmontar, conhecer os mecanismos pra brincar.

Qual a diferença entre o brinquedo que a criança constrói e o que ela consume pronto?
Acho que a principal característica é que a criança, quando constrói para brincar, estabelece uma relação diferente com todo o resto diferente de quando ela consome para brincar. Construir para brincar tem um nível de valoração sobre a relação com o mundo e de apropriação do mundo muito mais significativa do que consumir pra brincar. Claro que existem brinquedos que têm níveis de exploração e apropriação bem significativos, que mostram que é possível criar sempre para brincar e não necessariamente ter que consumir o brinquedo pronto – mas consumir objetos que dão o poder de criação.

O que a criança tem em mente quando cria um brinquedo?
Uma das diferenças é que no que a criança produz a partir do universo dela existe muito mais expressão e ampliação da capacidade imaginativa. Um brinquedo comprado pronto miniaturaliza a realidade, emoldura a experiência de criação. É claro que uma Ferrari de brinquedo que imita a realidade é muito sedutora. E a criança quando brinca com ela tem experiências, claro. Mas quando constrói o próprio carrinho, com todas as limitações da técnica, da lata, do prego, do martelo, quando recorta a lata com tesoura, é claro que a vinculação é muito mais profunda porque existiu ali todo um esforço criativo de trabalho manual e de exercício próprio do que em relação ao carrinho pronto. É bem significativo. As pessoas às vezes dizem que as crianças são preguiçosas, que só querem ficar em frente à televisão o dia todo, não têm mais pique pra construir. Mas coloca uma criança num celeiro cheio de ferramentas e objetos para ela construir brinquedos para ver qual é a relação corporal e criativa que ela tem com aquilo.

É triste que essa experiência seja podada. E raramente percebo ambientes fora da escolinha estimulam essa relação de criatividade com o brinquedo.
É verdade. Muitas escolas hoje estão discutindo isso e tem um ponto que é muito importante. Existe, claro, toda uma expectativa que os pais depositam na escola, nos centros culturais, parques. Mas em casa, a partir do esforço dos pais, é possível criar esses ambientes criativos e construtivos. Na verdade, existe hoje um delegar da educação. A grande maioria das famílias, pelo pouco tempo e disponibilidade que exige a educação dos filhos, está delegando essa responsabilidade a terceiros, porém é possível, sim, trazer a relação de criação e a experiência construtiva na própria casa. Mas isso é cada vez mais cerceado, nas famílias e nas grandes cidades e impõe uma necessidade de esforço e mudança de cultura.

"Normalmente a gente percebe o que a cultura diz para a criança e sobre a criança. Esse é um ponto que a gente abre na mostra: o que a criança está dizendo pra cultura?"

É possível traçar uma sociologia do brinquedo? Quer dizer, o que nossos brinquedos dizem sobre nós, brasileiros?
Sim, é possível se traçar uma geografia. Uma sociologia. Uma antropologia. Uma botânica do brincar. Em cada nicho geográfico, cada experiência que se estabelece com a natureza, é possível se perceber o dizer da criança, um traço da fala própria, do que ela tem a dizer sobre ela própria e sua relação com o mundo. Normalmente a gente percebe o que a cultura diz para a criança e sobre a criança. Esse é um ponto que a gente abre na mostra: o que a criança está dizendo pra cultura? Dividimos a exposição em ambientes que tratam de temas específicos. Logo na entrada tem o “mínimo e as mãos”, que é a relação com miniaturas, das pequenas coisas. Aí a gerente aborda que, pela plástica dos objetos, existe um interesse em criar intimidade com o mundo, em se enraizar na vida social. Não só para imitar, as para poder trazer seus próprios conteúdos para a cultura. Colocamos casinhas, fazendinhas de todo tipo, inclusive de ossos de boi, em que as crianças entram na anatomia da natureza. Elas vão nas ossadas e tiram vértebras dos bois para fazer fazendinhas, aí existe toda uma investigação da criança sobre a anatomia da natureza, sobre o dentro do mundo. Há um interesse na substância do mundo. Tudo isso é exercício da imaginação, empurrando a criança para investiga e fazendo com que ela diga o interesse dela pelas coisas. Quando a criança pega o brinquedo e quebra, não existe aí uma hiperatividade da criança, e sim a vontade de conhecer o que está dentro. Isso já denota uma metafísica na criança.

O que é um conceito avançadíssimo, que a maioria dos adultos perde ao longo da vida.
Exatamente. Existe aí todo um estudo que a gente pode fazer do abandono da infância, que vem de muitos séculos. A cultura sempre diz o que a criança tem que fazer. Os educadores sempre têm respostas e teorias afirmadas sobre o que é melhor para acriança. Mas o exercício de expressão da criança, isso raramente foi passado através dos tempos. Existe um percurso de abandono da criança, por achar que ela é uma pagina em branco e nos é que dizemos o que ela tem que ver.

Uma concepção totalmente racionalista, infelizmente. Para fechar: é possível descobrir o que a criança brasileira de hoje quer comunicar ao mundo através dos seus brinquedos? Existem uma ou duas frases capazes de resumir essa ideia?
Não sei quais seriam essas frases, mas acredito que as crianças têm comunicado para o mundo que existe uma individualidade de cada uma dela. É preciso estudá-las como seres individuais, e não massificar um sistema de ensino. Cada criança tem sua experiência própria, sua sensibilidade e seu nível de relação e aprofundamento com o universo em que vive. Acho que esse é o dizer mais significativo: “Nós temos individualidade. Nós temos conteúdo. Nós queremos dizer o que parte de nós e não só o que a cultura e a educação querem nos imprimir”.

 Vai lá: Mais de mil brinquedos para a criança brasileira – Sesc Pompeia, r. Clélia, 93, Pompeia, São Paulo, SP, (11) 3871-7700. De 9/7 a 2/2/2014, grátis

A fotógrafa e jornalista inglesa Lalage Snow, que hoje vive no Afeganistão, documenta os acontecimentos locais para vários jornais internacionais. Uma de suas séries fotográficas, entitulada We Are The Not Dead traz retrato de soldados britânicos em três momentos diferentes: o antes, durante e depois de serem mandados para uma operação de guerra de oito meses no Afeganistão.

Nass foto de cada soldado dá pra ver a diferença de mudança de fisionomia, principalmente no olhar. O olhar de inocência no começo, o medo e a saudade durante e a tristeza após a volta.

Vai lá: www.lalagesnow.com

(*) Postado originalmente no blog de arte e cultura BLCKDMNDS